• Por Antonio Méndez

annie hall poster cartel critica review
Dirección: Woody Allen.
Intérpretes: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kaye.

Con guión de Woody Allen (“Manhattan”) y Marshall Brickman (“El Dormilón”).

Sinopsis

Alvy Singer (Woody Allen) es un cómico judío de Brooklyn, Nueva York, que relata su relación con la cantante Annie Hall (Diane Keaton).

Crítica




annie-hall-pelicula-foto-woody-allen-criticaEsta es una película clave de Woody Allen, ya que, siendo fiel a su comicidad basada en sus neuras, deseos y miedos, otorgó más “seriedad” bergmaniana a las relaciones y reflexiones de sus personajes urbanitas tras sus films previos dominados por el disparate y el slapstick, más cercanos a los hermanos Marx o a Bob Hope.

En “Annie Hall”, una gran comedia romántica, Allen muestra con brillantez su talento para crear textos llenos de ironía, sátira, sarcasmo, ciertas dosis de misantropía y con lugar para debate… sobre religión, sociedad, política, muerte, sexo o pareja.
Eso sí, tanta brillantez acumulada en la verborrea puede llegar a cansar a algunos.




Al mismo tiempo utiliza una narrativa ágil que fija siempre el interés, con largas tomas de diálogo, ruptura de la cuarta pared, flashbacks con el narrador presente en escena, tramos de fantasía cómica, contrastes en split screen, múltiples referencias culturales…
Es una de las mejores cintas de su autor junto a “Manhattan”.

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annie hall foto review criticaAlvy Singer (Woody Allen), un cómico neoyorquino, en tratamiento psicoanalítico, divorciado en dos ocasiones y reacio a comprometerse, conoce a Annie Hall (Diane Keaton), una joven originaria de Wisconsin, aspirante a cantante, y de personalidad insegura. Pronto comienzan una relación marcada por el enamoramiento, la intimidad, la convivencia, la ruptura y el reencuentro. Autopsia de una relación sentimental y profunda reflexión en clave cómica sobre la naturaleza de las relaciones personales.

Excelente película de Woody Allen que significó un giro en su carrera cinematográfica, hasta ese momento marcada por obras de mayor carácter cómico y un contenido y estructura menos elaborado. Se trata de una de las películas de Woody Allen mejor acogidas por Hollywood en toda su carrera ya que obtuvo cuatro premios Óscar: mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor actriz principal. Una quinta nominación fue para Woody Allen como mejor actor, que finalmente no obtuvo el galardón. En cualquier caso, fue la segunda vez en la historia en la que una misma persona (Allen) era nominada para tres galardones (mejor director, mejor actor y mejor guión original), algo que solo había ocurrido hasta ese momento con Orson Welles por “Ciudadano Kane” (1941).

Annie Hall aborda la problemática y las vivencias de dos personajes, Alvy Singer y Annie Hall, en la evolución de su relación sentimental como pareja en los años setenta en la ciudad de Nueva York. La película esta construida sobre un brillante guión de Woody Allen y Marshall Brickman, que desarrolla de manera inteligente los fragmentos de la película y los diferentes aspectos de índole afectiva, intelectual o sexual que afectan a la relación entre los dos protagonistas.
Destaca igualmente la estructura narrativa de la obra que huye de un planteamiento lineal y combina presente, pasado y futuro, integrando referencias relativas, tanto a las experiencias vividas por ambos personajes, como a las diferentes etapas de su propia relación.




annie-hall-review-1977-fotosLa película se desarrolla en clave de comedia, brillante en muchos momentos, aunque compensada y matizada con escenas de reflexión más pausada que permiten dar más credibilidad al contenido sustancial que se pretende abordar. Junto a su desarrollo narrativo, el colorido, la fotografía y la música, contienen múltiples referencias al paso del tiempo, los recuerdos de la infancia o la experiencia vivida que evocan la nostalgia en el espectador.

Desde el punto de vista sustancial, Allen aborda, en este análisis de una relación sentimental, el tránsito que se produce del “encanto” al “encuentro” en una relación de afectiva, en palabras de Roland Barthes en sus reflexiones en torno a los fragmentos de un discurso amoroso. El “encanto”, entendido como el momento en el que uno se queda prendido de la imagen y el conocimiento del otro en un primer momento, y el “encuentro”, entendido como el periodo posterior en el que se suceden el enamoramiento, la intimidad, convivencia y la crisis en la relación. La película muestra como Alvy y Annie atraviesan este proceso marcado por la atracción y afecto mutuo, las necesidades propias, las dudas, los sentimientos profundos, el desencuentro y, en definitiva, el destino.

Allen y Keaton muestran en sus interpretaciones los matices de este proceso de manera admirable, apoyados por la inteligente construcción de la obra y el excelente guión, y quizás también inspirados por la experiencia de la relación previa mantenida entre ambos en la vida real. En su papel de Alvy, Woody Allen confirma, en esta su obra más seria hasta ese momento, su talento cómico ya demostrado en sus anteriores películas.
Especial mención cabe para la brillante interpretación de Diane Keaton en su papel de Annie. El titulo de la película hace referencia al nombre de su personaje de manera más que justificada, y su Oscar a la mejor interpretación femenina por este papel fue sin duda merecido. La evolución de su personaje en la película es de lo más destacada y su interpretación refuerza sin duda este marcada carácter evolutivo en su personaje, frente a un personaje más estático interpretado por Allen. Alvy y Annie se convierten, en todo caso, en una pareja inolvidable. El espectador se reconoce en los personajes, y al final de la película se pregunta si realmente termina ahí su historia.




Allen incluye igualmente en esta película aspectos que se han convertido después en recurrentes en su filmografía posterior como el psicoanálisis, la reflexión sobre la muerte, la sexualidad, el recuerdo sus origines familiares, el elogio de Nueva York frente a Los Ángeles, el sarcasmo respecto al mundo intelectual o la religión hebrea. Las menciones cinematográficas se suceden en la película en la que aparecen, entre otras, referencias a “La Strada” (1954), “Vidas Rebeldes” (1961), “Cara a Cara” (1975), “El Padrino” (1972), y especialmente “La Pena y la Piedad” (1969). La película contiene igualmente algunas secuencias memorables como el inicio en el que el personaje de Allen se dirige al espectador y cuenta un chiste de Groucho Marx, la escena en la cola del cine que culmina aparición en persona de Marshall McLuhan, la escena en la que Alvy de niño besa en la mejilla a una compañera de clase, o la escena en la terraza en la que la conversación es seguida en paralelo por subtítulos “matizando” el diálogo. Se trata igualmente de una de las películas de Allen en la que aparecen mas referencias a la historia y política de su propio país, Estados Unidos, como en la secuencia en la que el asesinato del presidente Kennedy se convierte en una excusa para no mantener relaciones sexuales con su ex-mujer, o el número cómico en el que se refiere a su cita con una mujer de la administración Eisenhower.

Finalmente cabe señalar la importancia que esta excelente película tuvo en el desarrollo posterior de la obra de Allen. Annie Hall supone el inicio de una nueva etapa en la obra del autor y a su vez se convirtió la primera obra de la llamada trilogía romántica de Nueva York, completada con otras dos magnificas películas del director neoyorquino; “Manhattan” (1979) y “Hannah y sus Hermanas” (1986).

Tomás Soria




annie-hall-woody-allen-criticaRevisando la filmografía de Woody Allen anterior a 1977, es fácil advertir que “Annie Hall” supone un giro copernicano en su manera de tratar a los personajes. Éstos dejan de ser estereotipos burlescos exquisitamente suavizados para convertirse en seres que afrontan sus conflictos interiores y sus intrincadas relaciones interpersonales a través del psicoanálisis.

Woody Allen nos presenta a Alvy Singer, (falso alter-ego del cineasta) un cómico culto, neurótico, cínico, obsesionado con la muerte y profundamente marcado por su procedencia judía y el psicoanálisis.

Con NY como telón de fondo idóneo, Allen desarrolla un modelo de construcción dramática al que seguirá fiel en adelante, con la relación entre Alvy (Woody Allen) y Annie Hall (Diane Keaton) como eje central.

A través de las disputas y reflexiones de ambos personajes y de un narrador colocado en un plano superior, el director nos presenta el nacimiento, desarrollo y ocaso de una relación, tan profundamente analizada desde el pasado y el subconsciente de los personajes que casi parece que se trate de justificar su comportamiento desde un punto de vista Freudiano.




Asimismo Allen introduce a NY como musa de su filmografía. La jungla de asfalto, donde confluyen la élite cultural americana y la comunidad judía, parece, a través de los ojos edulcoradotes del realizador, el emplazamiento idóneo para el transitar de sus personajes.

Sobre la base de un minucioso trabajo de guión (que le valió un Oscar al mejor guión original e innumerables premios de la crítica) el film contiene variadas y jugosas licencias cinematográficas como la pantalla partida, el uso de subtítulos, (lamentablemente excluidos de la versión española!!!??) o los “golpes de magia” con los que el director, por ejemplo, hace aparecer a los personajes visionando su propio pasado como meros espectadores.

Con su característico estilo narrativo, el realizador neoyorkino nos presenta una visión positiva y enternecedora de las irracionales relaciones humanas, ofreciéndonos un melancólico final que se ha convertido en referencia del cine contemporáneo.

Los guiños a Ingmar Bergman, a Fellini, a Groucho Marx y la aparición en pantalla del teórico de la comunicación Marshall McLuhan conforman una serie de referentes intertextuales que casi se pueden interpretar como una declaración de principios.

Pero más allá de las filias de Allen, de la magnifica interpretación de Diane Keaton y de la importancia del film en el contexto cinematografico de la época, “Annie Hall” constituye uno de los largometrajes más interesantes y mejor conjuntados del cine contemporáneo.

Noventa minutos de arte, el séptimo.

Androtxo Conde

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